El MAC, medio siglo de historias, cultura y significado social

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Foto: Raúl Devia

Esta fecha tiene un significado especial para toda la comunidad y por supuesto para todos los que trabajamos en el Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá.

En 50 años son innumerables los recuerdos, las personas, las exposiciones y las actividades que han pasado por el MAC, cada momento de estas cinco décadas ha estado marcado por significados especiales. Medio siglo es un periodo corto para hacer un balance de una institución cultural, sin embargo podemos decir que su mayor virtud es permanecer activa en constante relación con sus vecinos, públicos, artistas e instituciones del orden local, nacional e internacional.

Nos sentimos muy felices de poder compartir con ustedes esta historia, este fragmento de un gran campo cultural que se nos abre promisorio y fértil. Un colombiano visionario, soñador y emprendedor propuso esta idea a su audiencia, el Padre Rafael García-Herreros lanzó como una red, como una flecha que surca un horizonte incierto, pero tuvo entereza y convicción para que este sueño se volviera realidad.

En solo tres años se fundó el museo, cuatro años más tarde ya tenía su sede propia, un edificio que se ha convertido en el referente cultural del noroccidente de Bogotá y además en el hogar donde jóvenes artistas de cada generación han encontrado un espacio que acoge sus obras para que tengan un significado social.

Durante todo este tiempo hemos demostrado que si es viable un museo de nuestras características, que se pueden generar acciones conjuntas entre universidad y museo, que el MAC puede ser uno de los laboratorios sociales más significativo dentro de una ciudad, que más allá del tamaño está el impacto profundo que causa la cultura en sus habitantes, que la calidad y la excelencia deben ser constantes de un institución abierta al público, que el significado se construye colectivamente en un ambiente plural y tolerante. No se trata de abarcar más sino de ser más, no se trata de tener más sino de dar más, no se trata de crecer sino de afianzar, no se trata de acumular sino de compartir, no se trata de figurar sino de servir.

Tenemos muchos retos, pero estamos seguros que sólo los superaremos con el acompañamiento de la comunidad, de nuestros públicos, aliados, donantes y benefactores.

Adelantémonos a la curva inexorable de la historia lanzando una nueva flecha que surque el horizonte y abra nuevas puertas a la cultura con significado social.

 

Gustavo A. Ortiz S.

Director MAC

 

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50 años del Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá, una fiesta cultural.

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Pixeles, fotografía 2.0 y nuevas tecnologías, un diálogo con Klaus Fruchtnis

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Foto: Raúl Devia

Klaus Fruchtnis es un artista colombo-francés egresado de Bellas Artes de la Universidad de Los Andes y la Escuela Nacional Superior de Bellas Artes de París. Su trabajo se ha caracterizado por el uso de nuevas tecnologías, de la interacción con los públicos y el diálogo con otros artistas en el momento de creación. En el marco de la exposición Playground hablamos con Klaus de su trabajo, sus procesos creativos y de la exposición presentada en el Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá.

Raúl Devia: ¿Por qué te interesaste en el Art Media y el uso de la tecnología en tu obra?

Klaus Fructnis: En arte uno siempre estudia dibujito, pintura, escultura, pero yo hago parte de la generación donde los nuevos medios llegaron y se empezaron a desarrollar, es por esto que yo estaba más interesado en ver cómo estas nuevas herramientas de trabajo podían brindar a los artistas nuevos elementos creativos. Por ejemplo en la fotografía lo que me interesa es trabajarla con dibujo, pero no dibujo con lápiz y papel, sino con Photoshop, dibujo digital, me atrae la idea del cómo incorporar las herramientas digitales en mi trabajo.

R.D: En algunas de tus obras se pueden ver imágenes icónicas o culturalmente significativas en el ámbito mundial, ¿cuál es el objeto de tomar estos elementos y generar una nueva significación desde tu obra?

KF: Primero debo poner en contexto la fotografía de hoy en día, estamos hablando de la fotografía 2.0, que es la fotografía de internet, donde la gente, el público normal se convirtió no solo en consumidor sino en productor de obra.

Las personas producen obra a ciertos niveles, profesional o no profesional, pero hoy en día la fotografía se lee de una manera muy diferente, en internet esta Instagram, Flickr y Facebook, todas esas plataformas han hecho que la fotografía y el concepto de ella se haya democratizado, es más accesible.

Como fotógrafo creo que no solo se deben producir imágenes, sino también cuestionar las  existentes, así que decidí usar algunas fotos icónicas en el mundo, por ejemplo la muerte de Kennedy, el 11 de septiembre, la de los tanques en Tiananmen en China, están toda esta clase de iconos que han marcado la historia cultural, y que la mayoría de personas, dependiendo de qué generación son, pueden identificarse con ellos.

Entonces lo que hice con esta obra de los iconos virales (Viral Icons) fue recuperar dichas imágenes, que son obras de fotógrafos reconocidos, obviamente el Copy Right de los autores esta allí, alterarlas y reducirlas a las más mínimas informaciones, los pixeles.

Por otro lado decidí trabajar con una impresora láser, me interesaba experimentar con esa fotografía sobre madera, que la gente pudiera ver el material usado y adicional a esto que vieran que estas fotos te permiten tener diferentes tipos de lectura, la puedes ver desde lejos, desde cerca y a través de la cámara de un Smathphone o una cámara digital.

R.D: ¿Qué papel juega que los públicos interactúen con tu obra y cómo podrán interactuar ellos con lo presentado en Playground?

KF: La interacción se da cuando hago instalaciones participativas, evolutivas, porque ellas cambian en el tiempo, las que presento aquí en Playground no son tan evolutivas como las que he hecho en el pasado, en donde la gente participa, deja cosas e información, hay datos, cosas que se quedan y que hacen que la obra evolucione.

Las presentadas en la exposición son más inmersivas y participativas, porque las personas tienen que interactuar para poder leer los mensajes que están escondidos, por ejemplo en la obra de los iconos virales (Viral Icons), puede que no se vea lo que hay detrás, pero son imágenes que tienen un contenido icónico y cultural muy conocido.

Es por esto que me interesa que cuando el público participe se genere una diferenciación con una exposición convencional donde las personas ven simplemente una obra y se van, me importa es crear una experiencia participativa en las personas, que se genere recordación, también ellas van a tener una lectura diferente y casi única de la obra, porque la mayoría de las obras no están quietas sino que tienes que interactuar para sacar algo, las interpretaciones obviamente se dan por el bagaje cultural de cada visitante.

Por otro lado está la parte tecnológica, ya que me gusta cuestionar no solo la parte estética de mis obras sino la parte tecnológica, me interesa que la gente entienda cómo funcionan, por qué funcionan y la única forma de entenderlo es participando, dándose cuenta que usando un Smarthphone son capaces de encontrar detalles dentro de las obras, que el ojo humano a simple vista no puede percibir.

El tema de los pixeles lo llevo trabajando hace ya varios años, los he pintado en paredes, he hecho stickers, los he impreso en plexiglás, he jugado mucho con la percepción del público, experimentado junto a ellos y observando las reacciones que tienen, por eso la interacción es muy importante en mi obra.

R.D: La experimentación con las nuevas tecnologías son un eje principal en tu obra, ¿cómo ves el futuro del la fusión entre arte, tecnología y social media?

KF: Creo que las nuevas tecnologías han cambiado y seguirán cambiando, en los últimos 10 años hemos visto como han evolucionado y hoy en día estamos hablando de objetos conectados, telas inteligentes, muchas cosas que han hecho que la tecnología en si haya cambiado. Pero lo más importante es evitar que las nuevas tecnologías se vuelvan una vitrina para los artistas y se generen obras espectaculares, pero sin ningún contenido, se debe cuestionar su uso, el por qué las estamos usado, cómo la estamos usando y cuál es el mensaje, porque obviamente creo no todas las tecnologías se adaptan a cualquier tipo de obra.

R.D: ¿Que problemas has tenido cuando has tratado de utilizar algún elemento tecnológico dentro de tu obra?

KF: Los nuevos medios tiene algo muy importante y es que tienen un aspecto educativo, también han modificado completamente la forma como trabajan los artistas, ellos estaban antes, solos trabajando en su taller, hoy en día la tecnología ha cambiado los procesos creativos, ya no trabajamos solos, sino en grupo, realizando obras colaborativas, participativas y co-creaciones. Entonces digamos que cuando me intereso por algo y no sé cómo hacerlo, estoy abierto a trabajar con otros artistas, he trabajado con ingenieros, programadores y músicos. Yo no lo sé todo, no me interesa tampoco, he hecho programación y en algunas de mis obras me he interesado por entender su funcionamiento, pero me toma mucho más tiempo, es por esto que llamo a personas que sepan del tema y yo me ocupo de la creación, del concepto y de la parte artística.

Por ejemplo en Playground con Sofía Uquillas, quien trabaja mucho con los neones, decidimos realizar una obra en colaboración (Geo-Cut-Ups). Lo que vale la pena resaltar es que los nuevos medios han transformado la forma de trabajo de los artistas, haciendo que estemos más abiertos a las colaboraciones, al trabajo en grupo y a buscar lo que uno no sabe hacer en los demás. El final entre más uno esté abierto a esas colaboraciones, las obras van a generar un impacto más grande en el público.

R.D: ¿Por qué es importante que artistas de dos generaciones, como Raúl Marroquín y tú, aborden en paralelo el tema del Art Media?

KF: Es importante porque estamos trabajando con la misma tecnología de manera diferente, es como un abanico de posibilidades el que los artistas estén usando la nueva tecnología de manera diferente, aunque Raúl es uno de los pioneros en el videoarte y en el Netart, él ha ido evolucionando y cambiando con la tecnología, se ha ido adaptando.

Yo llegué más tarde y lo que me interesa, es que para entender la tecnología de hoy, debemos entender la de hace 50 o 40 años atrás, es así que digo siempre “es muy fácil hacer tecnología con un lápiz y un papel”, y la gente dice: “pero ¿por qué?”, pues es muy sencillo, porque son los pixeles, son el código binario y son números, si tu entiendes el lenguaje de un computador puedes entender como programar cosas.

Me parece importante que los dos estemos a la par en esta exposición y tratemos de crear un diálogo,  aunque son obras diferentes tenemos la misma base, pero el resultado es diferente.

Con Raúl hicimos un proyecto en la galería Saatchi, en Londres, en enero de este año (2016), era un trabajo sobre las bajas tecnologías, acerca de como las tecnologías obsoletas, los proyectos colaborativos, hoy en día han hecho que la gente se prepare más para el uso de las nuevas tecnologías. Aplicativos como Skype o WhatsApp, entre otros, han modificado la forma de comunicar, la forma de ver y producir arte, no necesariamente debemos estar en un mismo sitio, en un mismo país, sino que podemos crear cosas desde sitios diferentes, de manera colaborativa y evolutiva. El arte hoy en día no se trata de una obra en un pedestal o en una pared, puede ser también un

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A propósito de Playground, entrevista con Raúl Marroquín.

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Raúl Marroquín (1948) es una artista bogotano egresado de la Escuela de Bellas Artes de la Universidad Nacional que ganó en los años 1968 y 1969 el segundo premio del Salón de Arte Joven realizado en el Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá (MAC). Comenzó a escribir una parte importante del videoarte en Holanda en 1971 cuando obtuvo una beca para estudiar en la academia Jan Van Eijck de Maastricht, actualmente es un importante referente del tema, reconocido en el ámbito mundial.

En el 2014 fue homenajeado en el marco del Proyecto 100 Colombianos organizado por la Asociación Fusionarte y Marca País, que en su libro homónimo dio rostro a las historias de éxito de compatriotas en el exterior.

Gracias a la invitación que el MAC le hizo para realizar la exposición en diálogo con Klaus Fruchtnis, hemos tenido la oportunidad de conversar:

Alejandro Triana: ¿Cómo resulta un artista colombiano siendo pionero del videoarte en Holanda?

Raúl Marroquín: Yo comencé en Colombia en 1968, estaba interesado en el video pero estaba muy lejos y uno de mis coleccionistas compró una máquina para hacer grabaciones de encuestas, y él me permitió utilizar sus equipos para hacer experimentos de video en su oficina. Luego me gané una beca en Holanda y me fui para allá sin muchas ganas, yo quería quedarme a vivir en Nueva York, tenía una exposición en el Museo de la Unión Panamericana en Washington. Cuando llegué a Holanda en la academia tenía un equipo de video y después entre en contacto con otras instituciones que tenían equipos más complejos, con más cámaras y básicamente esa es la historia.

AT: Tu resultas trabajando en la edición de una periódico que fue muy conocido en Holanda,  cuéntanos un poco acerca del proceso que tuviste con él.

RM: Cuando yo estaba estudiando bachillerato en un colegio en Bosa, había un periódico mural del que fui editor unos años, así que cogí esa rutina, y ya en mi estudio en Holanda cree un periódico mural donde ponía dibujos, fotografías, instantáneas, y comencé a invitar a mis compañeros de la academia a contribuir con pequeñas notas, y en un momento dado decidí imprimirlo en serigrafía.

Después de 3 ediciones en serigrafía lo comenzamos a publicar en offset, con la academia, y de allí en adelante se convirtió en una publicación más o menos trimestral, que duró casi 6 años. Termina porque me retiro de la academia y tengo otras prioridades, y tal vez porque también no vi la importancia que podía tener, era más una actividad de distribución de obra que cualquier otra cosa.

Artistas, poetas y músicos enviaban trabajo por correo, no había fax en esa época, más adelante comenzamos a hacer entrevistas y yo comencé a participar en festivales de video, entonces se podía entrevistar artistas importantes, de video y de performance, y otra gente. Entrevistamos a Pierre Cardin, diseñador de moda, Carolina Princesa de Mónaco, a Cassius Clay, más conocido como Mohamen Ali, lo entrevistó un amigo de él en Ámsterdam, yo no estuve en la entrevista. Lo bueno era que teníamos un equipo de video portátil de la época, era un equipo grande, pesado y una cámara, entonces comenzábamos a grabar las entrevistas en video y eso dio toda una nueva dimensión a la publicación.

AT: Caridad Botella fue tu curadora en la exposición Playground ¿Cómo te conoces con ella?

RM: Me conozco con Caridad hace años en Holanda, ella viene a mi casa con otro artista colombiano muy famoso llamado Francisco Camacho, siendo en ese momento ella directora de la Galería Witzenhausen con sede en Ámsterdam y en Nueva York, y prácticamente a los dos meses que nos conocimos comenzamos a trabajar juntos, a los 6 meses tuve mi primera exposición con esta galería. Allí comenzamos a hacer los Sunday Matinees, un proyecto de performance y acciones retransmitidas en vivo por medios fluyentes.

AT: Posteriormente Caridad viene a vivir a Colombia y se comienzan a hacer los Sunday Matinees desde el MAC, entonces tú participas con transmisiones ¿Cómo es esa experiencia?   

RM: Las primeras transmisiones eran como unos blogs donde se podía incluir video y donde se podía transmitir en directo. Muy rápido la tecnología va cambiando entonces nos vamos incorporando en estas transmisiones. También tengo una emisión televisiva  con programas políticos y económicos desde 1990, llamado la Piedra Angular, que aún se transmite por un canal regional en Ámsterdam. Desde allí se crea una división de medios fluyentes para el programa, pero también comienzo a incorporar estos medios para otro tipo de actividades y en mi trabajo como artista individual.

AT: Aparte de ser una herramienta de trabajo, ¿Cómo concibes la fotografía y el video?

RM: Es una relación muy personal, yo siempre digo que es culpa de mi padre, porque era un gran aficionado a la fotografía y al cine, no solo de ir al cine sino de hacer experimentos y filmaciones familiares con una cámara de película 8 y super 8. Era lo más cercano al cine aficionado, y allí comienza todo. Yo experimentaba con esa cámara de mi padre, entonces se desarrolla una relación personal con esas herramientas. Lo que me interesa es que el video es un medio muy inmediato, tanto en la exposición Playground del MAC como en Kcab/Play/Forward  expuesta en la Galería Christopher Paschall sXXI hay mucho trabajo realizado con fotografía instantánea, con Polaroid, capturar el momento es algo que me interesa muchísimo, ya sea congelado o un movimiento.

AT: Vi que en Playground tenias una serie de tv llamada Superbman, cuéntanos un poco sobre esa serie.

RM: Eso se realizó de 1974 a 1976, en Maastricht la ciudad donde yo estudiaba, había dos academias de arte: la de pregrado y la de maestría, y había una academia de teatro, donde conocí a el actor Titus Maisalar, nos volvimos muy amigos y decidimos hacer un Superbman, que era una serie de 12 episodios, cada uno de 28 minutos. Siempre nos reíamos porque pensábamos que era una serie de tv que nunca estaría en la tv, y estábamos terriblemente equivocados porque 30 años después se presentó en BBC, BBS en USA, una programadora holandesa y el canal 3 de la tv alemana.

Fue un proyecto que se hizo en su momento como performances en museos, entonces era en frente de un público, un poco jugando con la idea de las comedias con público en vivo. Se realizó en museos y en festivales, hacíamos performance de 20 minutos y eso se incorporaba como un episodio de la serie, tomó mucho tiempo montar la serie, aunque el equipo usado era muy sencillo, es mi creación pero me ayudó mucha gente, como en muchos proyectos.

AT: ¿Qué significó la exposición Playground para ti?

RM: 51 años de mi trabajo, desde 1965 hasta 2016, diferentes etapas de mi carrera como artista, el desarrollo de mi trabajo, es la exposición más grande que he tenido en mi vida y mi primer retrospectiva. Es la primera vez que expongo en un museo en Colombia.

AT: La tecnología siempre está presente en tu obra, ¿qué otros conceptos influyen en ella?

RM: Yo dibujo, hago ensamblajes que no tienen que ver con tecnología, muchos de estos ensamblajes tienen elementos tecnológicos pero otros no, se ve muy bien en esta exposición este tipo de elementos.

AT: En Colombia hay artistas que están haciendo videoarte, ¿cómo ves tú el proceso de estos artistas?

RM: Colombia me parece un país muy vibrante, genera cantidades de nuevas propuestas, y eso es algo de los últimos 10 o 15 años, ha cambiado radicalmente, en términos de tecnología de comunicaciones y de experimentación, me parece que el país está muy adelantado, ahora, no tengo conocimiento de cómo eso se lleva a cabo como se realiza, qué posibilidades hay.

Lo que no sé es cómo se mueve, cuáles son las salidas de esas obras, además de ser presentadas en galerías y museos, cómo se maneja a nivel de distribución, cómo se maneja eso a nivel de archivos de ese trabajo, la accesibilidad, no tengo conocimiento, se ven propuestas muy interesantes a nivel de video, instalaciones, la relación performance y video, es muy interesante, artistas como la colombo-venezolana Yolanda Duarte es un ejemplo de esto.

Para conocer más sobre la obra de Raúl Marroquín los invitamos a visitar, hasta el 10 de septiembre, la exposición Kcab/Play/Forward en la Galería Christopher Paschall S XXI y conocer el catálogo de la exposición Playground realizada en el Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá AQUÍ.

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FESTIVAL INTERNACIONAL DE CULTURA CERÁMICA

ceramica mac.JPGEl FESTIVAL INTERNACIONAL DE CULTURA CERÁMICA/ QUINTO SEMINARIO A CERÂMICA NA ARTE EDUCAÇÃO (Brasil- Colombia), que va del 5 al 15 de septiembre de éste año e incluye once (11) categorías de realización, las cuales son: Talleres Abiertos, Taza de Autor, Intervenciones artísticas, Mesas de Trabajo, Talleres-workshops, Demostraciones de maestros, Encuentro Académico, Muestras o exposiciones, Conferencias interactivas, Puntos de venta y Producciones audiovisuales-Gráficas y editoriales.

Teniendo presente que se trata de dos eventos que nacieron en distintos momentos y países (ya que el festival nace en Colombia en octubre del 2015 y el seminario nace en el 2012 en Brasil) ambos tienen por objetivos tanto el contribuir en el fomento de la cerámica artesanal, artística, industrial y arqueológica, como en la cualificación de los procesos de enseñanza que actualmente desarrollan programas en Artes Plásticas y Visuales de los niveles, técnico, superior y de posgrado (pregrados, maestrías y doctorados), como el aportar experiencias desde, con y para la Educación Artística Plástica y Visual, con énfasis en cerámica, a personas desde los catorce años en adelante.

Las actividades se realizarán en la ciudad de Bogotá contando con el aval internacional de los creadores del seminario: la Universidad del Estado de Sao Paulo- UNESP, El Instituto Cultural de Cerámica de Cuhna. La realización del Equipo Cerámica Amarilla – Empresas Malucaco y el apoyo de las instituciones culturales y educativas colombianas: Artesanías de Colombia, Museo Nacional de Colombia, Fundación Gilberto Alzate Avendaño, Museo de Arte Contemporáneo, Museo de la Independencia, Casa Museo Quinta de Bolívar, Museo de Trajes Regionales, Museo Arqueológico- MUSA, Cerámica Amarilla, Alfarería Hombres de Barro y Universidad de Bogotá Jorge Tadeo Lozano.

Así el Museo de Arte Contemporáneo- MAC se une al programa del evento tanto albergando en sus instalaciones y a partir del 10 de septiembre La instalación artísticatitulada GEO COLORES DE UN CUERPO creada por Jennifer Andrea Gutiérrez Torres como parte del proyecto TESIS. Dicha instalación resalta la arcilla como medio plástico-pictórico capaz de suscitar reflexiones sobre los problemas sociales vinculados al racismo y la discriminación que se presenta entre las personas, debido a los distintos colores que posee la piel del ser humano.

 Taller Fronteras MAC- TADEO

De igual forma apoya la realización de una sesión del Taller- Workshop: FRONTERAS INÙTILES. Experiencias Con Barbotina, creado y realizado por la maestras provenientes de Rosario- Argentina: Constanza Caterina, Cynthia Blaconá y Jimena Rodríguez (las dos últimas profesoras de la Escuela Provincial de Artes Visuales Nº 3031 “General Manuel Belgrano”) el cual busca llevar a los participantes a vivir una experiencia simultáneamente corporal, sensorial y estética. Trabajando con la barbotina dentro del concepto de Cerámica Expandida creado por Graciela Olio, el cual considera la educación vinculada a la cerámica como aquella actividad que fomenta: el cultivo de los sentidos, valores y facultades humanas, la exploración del potencial expresivo que poseen los materiales vinculados a procesos de producción cerámica y la investigación y captura consciente de alternativas materico-visuales a partir de las cuales es posible dar vida a nuevas creaciones.

Este se realizará en el museo el 13  septiembre en el horario de 9:30 a 11:30 a.m, con entrada gratuita, previa inscripción. Invitamos a los lectores interesados a informarse de toda la programación del evento en:

http.//culturaceramicafestival.blogspot.com.co

Programa festival de ceramica

Documento elaborado por la Creadora- Coordinadora general de evento

  • Integrante del Comité organizador del seminario internacional- Julio 31/ 2016.

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Tinta al Papel

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Con la intención de crear redes entre las diferentes instituciones culturales y sociales de la localidad de Engativá, el Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá se ha aliado con la Casa de la Juventud de Engativá “aldea de pensadores”  y el Centro Cultural TagTabú, para la realización de un taller de serigrafía con los jóvenes del territorio.

El objetivo del taller “Tintas al Papel” fue aprender a realizar el proceso de estampado serigráfico sobre diferentes tipos de papel. La actividad se dividió en tres sesiones, de tres horas cada una. Cada sesión tuvo lugar en una de las entidades que han contribuido a la realización de la actividad, con la intención de que los jóvenes realizaran un reconocimiento de dichos actores culturales locales.

Los participantes del taller contaron con la oportunidad de aprender las bases teóricas del proceso serigráfico, al tiempo que potenciaban sus facetas creativas con la realización de un diseño propio. Como última parte del taller se realizó todo el proceso práctico, desde la preparación de los batidores hasta la última fase de estampado sobre papel. La actividad se cerró con un agua de panela compartida entre todos los participantes.

El museo espera continuar creando redes con las diferentes entidades culturales de Engativá a fin de fortalecer su impacto en el territorio.

Catalina Álvarez Zárate

Pasante de Educación

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La obra “Colombia 1972” hará parte de la exposición TODO, Caro en Las Nieves.

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Colombia 1972 – Antonio Caro – Acrílico sobre cartulina/100x84cms – Colección MAC, B-348 

El área de registro del Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá, invita a la comunidad de UNIMINUTO y público general a conocer la obra Colombia 1972,  del artista bogotano Antonio Caro. La obra que hace parte de la Colección del MAC, fue seleccionada  por la Fundación ArtNexus para formar parte de la exposición TODO, Caro en Las Nieves, curada por Francine Birbragher-Rozencwaig, la muestra será inaugurada el sábado 23 de julio, a las 11 a.m. en Espacio ArtNexus, Edificio Estudio de Las Nieves  ( Calle 8 N° 20 – 17 , Bogotá) .

Colombia 1972 hace referencia al periodo del arte conceptual en Colombia, auge que fue impulsado por los salones y eventos artísticos de los 70s, como el Salón Atenas realizado en el MAMBO (1975 – 1984 . Caro utiliza medios y técnicas no convencionales, como el cartel o la obra efímera donde la fuerza de las ideas y el mensaje son muy importantes en su composición. Su trabajo plástico se caracteriza por la crítica social y las acciones de resistencia enmarcadas en la reflexión sobre asuntos como la dependencia, el subdesarrollo, la situación económica de las clases populares, los desplazamientos forzados, los falsos positivos y la minería ilegal. Caro un concepto plástico inacabado, y de análisis para el campo de la comunicación creativa.

Conoce más del Maestro Antonio Caro en nuestra Obra de la Semana

Wilmar Tovar

Coordinador de Registro e Investigación

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