El grabado que se convirtió en símbolo de la marcha del 26 de julio

Muchas personas se preguntaron sobre la obra que acompañó la divulgación de la actividad de apoyo a nuestros líderes y lideresas sociales el pasado 26 de julio, la cual era el reflejo de la desesperación e impotencia que el país siente ante sus asesinatos sistemáticos. El grabado Desgarraban sus rostros de dolor y pesar, del Maestro Dario Ortiz Robledo, nos recuerda el desgarrador video que circuló por redes sociales, momentos posteriores al asesinato de María del Pilar Hurtado en el departamento de Córdoba, en el cual se observa a su hijo llorando desconsoladamente frente al cadáver de su mamá sin recibir ayuda de las personas que se encontraban alrededor.

Dario Ortiz es un artista nacido en Ibagué, de amplia trayectoria y que desde 1995 se encuentra radicado en el exterior, ha participado en la Bienal de Pekín en 2017 y más recientemente en la de Venecia. En sus obras se puede observar el dominio que logra en cada trazo que realiza de la figura humana, utilizando estas expresiones para significar cada una de sus creaciones, logrando una mezcla de realismo que en esta serie denominada Los versos apócrifos de Dante, nos acerca al sentimiento de dolor, impotencia y asombro que, en cada uno de los grabados realizados en la modalidad de aguafuerte, combinan los  capítulos del libro la Divina Comedia de Dante Alighieri con los atentados ocurridos en Estados Unidos el 11 de septiembre de 2001 y otros hechos actuales de violencia sistemática.

Desgarraban sus rostros de dolor y pesar del Maestro Darío Ortiz Robledo

Desgarraban sus rostros de dolor y pesar fue tan impactante para quienes la conocieron a través de las actividades realizadas el 26 de julio en apoyo a líderes y lideresas sociales en la Plaza de Banderas que se encuentra ubicada frente al Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá, que desde el MAC quisimos dar a conocer un poco más sobre esta obra y su autor; los invitamos a visitar nuestro boletín digital  AQUÍ en el cual el Curador del MAC Sebastián Jiménez, muestra más grabados que hacen parte de la colección permanente del Museo

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Proyecto “Señas al MAC” realiza la presentación de sus resultados

El Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá se ha convertido en una incubadora de innovaciones sociales que procuran el acceso de sus públicos a través de diferentes estrategias educativas, que son multiplicadas en otros espacios, razón por la cual el área de educación del MAC, comprometida con el crecimiento integral de los estudiantes, apoya el desarrollo de proyectos de grado.  Este es el caso del trabajo de las estudiantes Cindy Cifuentes y Laura Rojas del programa de Licenciatura en Educación Artística quienes presentaron el proyecto “Guía autónoma para experiencias pedagógicas en arte desde la sensibilización, la apreciación estética y la inclusión cultural de visitantes con discapacidad auditiva”.

El objetivo de la tesis fue proveer al Museo de herramientas que permitieran a los públicos con discapacidad auditiva realizar un recorrido autónomo por el Museo, sin necesidad de contar con un intérprete de Lengua de Señas Colombiana (LSC) en la duración del mismo. La investigación tuvo en cuenta la premisa adoptada por la Convención sobre los Derechos de las Personas con Discapacidad, la cual es “Nada sobre nosotros sin nosotros”; razón por la cual las autoras del proyecto contaron con el apoyo del estudiante con discapacidad auditiva Elver Ramírez, de Comunicación Visual de UNIMINUTO y su hermano Nicolás Ramírez intérprete de LSC al castellano y viceversa.

La investigación estuvo divida en tres categorías con el fin de realizar un análisis sobre prácticas pedagógicas que se ajustaran a las necesidades del proyecto; fue así como del proceso de investigación se originaron los: señalética de bienvenida que se encuentra actualmente en el MAC, una ruta para la interpretación del arte contemporáneo (disponible al público en la recepción del Museo) y la Tesis de grado. El proceso de investigación se estructuró de acuerdo a las posturas en términos de la inclusión que le resuenan al MAC, de ahí que durante el diseño de estrategias la ruta de interpretación, fue estructurada para los públicos con y sin discapacidad.

El MAC junto con la comunidad educativa UNIMINUTO continua con la exploración pedagógica que ha venido desarrollando desde el área de educación con el fin de cohesionar el arte y la academia generando impactos sociales que buscan marcar hitos en el avance de la transformación social.

Sonia Carolina Chaves

Profesional medios y comunicación

Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá

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Seleccionados Proyecto TESIS 2019

El proyecto TESIS cumple dieciséis años de estar promoviendo la socialización de los proyectos de grado de los egresados de las carreras de artes plásticas y visuales en Colombia; la iniciativa gestada desde el Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá, cuenta con una amplia trayectoria y es hoy reconocido como el espacio museal para entrar en contacto con las nuevas vertientes que dinamizan el arte nacional.

La importancia de este proyecto radica en la convergencia que se realiza entre la academia y el museo para enriquecer las prácticas artísticas emergentes y facilitar la transición a la vida profesional de los nuevos artistas. Vale la pena resaltar que el MAC cuenta con el banco de Tesis más extenso de trabajos de grado, el cual se puede consultar a través de su centro de documentación.

Para la versión 2019 participan 21 Universidades a nivel nacional, que postularon 74 trabajos de grado en las diferentes disciplinas como la pintura, la instalación, el video, el performance, el diseño, la escultura, la fotografía, las aplicaciones interactivas, entre otras.

Este es el listado de los trabajos de grado 2019 que harán parte de la exposición Proyecto TESIS 2019 durante los meses de septiembre y octubre.

Seleccionados TESIS
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“Yo pinto porque tengo la necesidad de salir a la calle hacer graffitis, no porque pierda followers”. ENTES

“El arte siempre debe preguntar algo… debe ser completamente visceral y revolucionario, dentro de mis creencias” así se expresa Joan Jiménez de su obra, un limeño de mediana edad y rasgos característicos de su peruanidad, esa que lleva marcada en sus graffitis, en sus expresiones y en su pensamiento, el cual, también encuentra asentamiento entre tracks de Hip Hop y Jazz, su mente, como sus gustos musicales, pueden pasar fácilmente de escuchar a John Coltrane a JDilla o Talib Kweli.

Muchos no relacionaran el nombre de Jimenez con su obra, pero al mencionar el A.K.A. “ENTES”, estaremos frente a uno de los graffiteros más reconocidos en Latinoamérica, icono de esta expresión urbana en su natal Perú y creador del festival Latidoamericano, el cual se convirtió en una vitrina internacional para el Street art de los países suramericanos, los cuales tiene sus principales representantes en Colombia, México y Perú.

ENTES ha estado marcado por el contexto político de su país, las recientes elecciones presidenciales de 2016, lo motivaron a encaminar sus obras a protestar en contra de la ex candidata Keiko Fujimori, el ya fallecido ex Presidente Alan García y de varios políticos que en el Perú han sido tildados de estar vinculados con actos de corrupción. En la misma línea el artista urbano desea transmitir a través de sus trazos la milenaria cultura inca y las expresiones tradicionales de las calles en las cuales ha perfeccionado su técnica después de pasar por la Escuela de Arte Corriente Alterna; por eso en sus graffitis encontramos personajes de marcados rasgos afros, latinos e indígenas y en particular, como un sello personal de ENTES, una nariz amplia y jibada, al igual que unos labios de gran dimensión que simbolizan el orgullo de una raza guerrera que permanece a través de cada expresión de la ciudadanía que se ve representada en los muros de la ciudad de Lima, sin ninguna otra pretensión que la de dejar una imagen en la mente de los transeúntes que dedican un tiempo a analizar la semiótica que cada dibujo representa.

En cada una de sus apariciones en entrevistas y artículos, ENTES hace énfasis sobre el cambio de concepción que la sociedad debe realizar sobre los artistas urbanos; quienes han sido tildados de vándalos por intervenir muros y expresar sus ideas en las calles, de acuerdo a su opinión, los grafiteros se han esforzado por estudiar y tener claras las técnicas de pintura para poder practicarlas en los espacios públicos para acercar a los públicos a un auténtico “arte contemporáneo” que se sale de los recintos cerrados y silenciosos que son los Museos, para incluirse en el diálogo cotidiano de las personas de cualquier condición socio económica e incluso ser el detonante para una revolución que no se verá en las redes sociales, pero quedará fija en las mentes de quienes tengan contacto con alguna de las obras de este peruano que a pulso, se ha ganado un espacio en la nueva ola latinoamericana de artistas visuales que se abren campo en Europa y América del Norte.

Es así como ENTES dejó su huella en el circuito de “Barrio Museo” del Minuto de Dios, un espacio de murales concertados con la comunidad, en los cuales artistas visuales han plasmado su obra en las paredes de los lugares comunes, dejando en claro que los graffittis no son un acto vandálico sino una acción que evidencia que la cultura puede estar al alcance de todos.

Sonia Chaves

Profesional de medios y comunicaciones

Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá

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El cuerpo como territorio

El conflicto colombiano en los últimos 50 años ha estado marcado por variadas formas de violencia que se han ensañado principalmente en el cuerpo, cuando hablamos del cuerpo estamos hablando de cómo este representa un territorio, un espacio con unos valores sociales y culturales que determinan las diferentes aproximaciones al ser.

Se ha escrito mucho en Colombia acerca del principal factor del conflicto, la lucha por la tierra, por el territorio y específicamente por dominar geográficamente una zona, un espacio; pero no podemos concebir ningún territorio sin sus habitantes y como entre ellos y la tierra existe un nexo indisoluble; por eso toda violencia que se ejerce sobre el territorio se ejerce directamente sobre el cuerpo; en muchas de las mitologías y las cosmogonías de nuestros ancestros se concibe el territorio como el origen, la madre tierra que nos alimenta, nos da vida y nos acoge desde que nacemos hasta que morimos, por eso hablar del cuerpo como territorio es hablar también de los vínculos profundos que nos unen tanto emocional, social y físicamente.

  • Los límites. ¿la primera pregunta podemos hacer es si existen los límites entre el cuerpo y el territorio? cómo nosotros hemos creado y zanjado estos límites para generar diferencias sociales, políticas, culturales, religiosas. De qué forma segregamos al otro a través de lo que llamamos las fronteras, los linderos, los feudos, los márgenes, la periferia.

Las obras de Caro, Garzón, Fruchtnis, Guache y Richter establecen diferentes niveles de compresión sobre la variedad de fronteras que hemos establecido influenciados por la política, la raza, la religión, el dinero, o el lugar de nacimiento.

  • La apropiación del cuerpo. Son precisamente las víctimas y específicamente sus cuerpos quienes han tenido que cargar con todo el peso de las prácticas violentas; sobre ellos que se ciernen todas las consecuencias del despojo, la agresión y el marginamiento; podemos decir sin temor equivocarnos que es sobre las mujeres y los niños que ha recaído con un mayor peso todo este holocausto y las consecuencias que aún estamos por ver.

Las obras Giangrandi, Moyano y González establecen lecturas claras sobre el papel que ha tenido la población civil durante el enfrentamiento de los diferentes bandos en conflicto.

  • Lo anormal como norma. Uno de los fenómenos más recurrentes de la violencia es acostumbrarse a lo anormal, tener que llevar una vida en medio del conflicto, de la amenaza, de la incertidumbre; es así que las poblaciones que más han sido afectadas por cualquier tipo de violencia se acostumbran a comportamientos que no deben ser normales como el andar escondido, hablar bajo, ocultar y callar las situaciones de injusticia contra la población, contra la naturaleza o contra la vida misma. (niña en entierro/fragmentados)

En las obras de Hoyos, Guerra, Jiménez, Ortiz y Kaplan encontramos diversas formas de mimetismo, adaptación y defensa ante la constante amenaza de los violentos.

  • El cuerpo como arma. Es tan delicada, profunda y compleja esta realidad, que el mismo cuerpo se convierte en un arma, es un arma para ocultarse, es un arma para atacar, es un arma para sobrevivir, es un arma para denunciar, es un arma para no callar. El cuerpo se vuelve un escenario de resistencia, por un lado resistencia contra el olvido, por otro lado la presencia misma se convierte en una denuncia y en un anuncio que va más allá de las circunstancias del momento que le ha tocado vivir; es el cuerpo el testigo fiel e ineludible donde se lee perfectamente el drama, el que no oculta nada, el que se para firme ante la adversidad, el rastro indeleble que ellos quisieron borrar; el cuerpo se yergue ante los que quisieron negarlo, ocultarlo,  masacrarlo  y desaparecerlo.

En los trabajos de Aguirre, Ibáñez, Alonso, Van Iperen, Carreño y Baglione, se expresan las múltiples estrategias contra el olvido, los actos de resistencia y las denuncias en contra del abandono oficial.

  • El cuerpo como mapa. En el cuerpo está el mapa de las cicatrices, la ruta del dolor, el camino del desplazamiento, las coordenadas de agresión, el laberinto del abandono, en fin, la vorágine de la injusticia. Cada arruga, cada herida, cada expresión, cada gesto es una seña, un hito que señala sin perdida alguna la experiencia de dolor, el punto sin retorno, la brecha abierta, la zanja sin cubrir.

Basta con mirar de cerca para captar cada detalle, para entender cómo el cuerpo es el mayor testigo y la fuente primaria dónde podemos leer la tragedia de lo que ha sido el libreto macabro de la violencia.

En las propuestas de Bonilla, Martí y Jaramillo entendemos el cuerpo como el territorio que es el escenario del conflicto.

  • Cuerpo doméstico. Pero no tenemos que desplazarnos al campo, o a las mas apartadas zonas del país porque éste cuerpo nos habla directamente desde la casa, desde el hogar, desde la pieza, desde el patio, desde todos estos lugares domésticos, cercanos en los que también se escenifica, pero también se oculta la mayor de las violencias: la violencia intrafamiliar, la violencia doméstica, la violencia de género, la violencia cotidiana.

Es la violencia contra los más débiles, marcada por el autoritarismo y el machismo, la sinrazón donde confluyen todas las agresiones que reflejan los males y falencias de una sociedad. El lugar que podría ser el más seguro se convierte en el más frágil, en el escenario más macabro, el espacio más inseguro, el cuarto sin salida y la espiral constante de agresión. Es el lugar de largos silencios, de furia contenida, de rencor, de rabia.

Las artistas Bulla, Galvis, Uribe, Ochoa, Amorocho, Hernández y Herazo se han empoderado del lenguaje plástico para manifestar las intrincadas variables de la mas sutil de las violencias.

Gustavo A. Ortiz Serrano.

giangrandiObra: “Violencia” Autor: Umberto Gianagrandi  Técnica: Tinta sobre papel
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Obituario Fabio Rosso

EL UNIVERSO SEGÚN ROSSO

Fabio Rosso

FABIO ROSSO 1952 – 2018

A Fabio Rosso lo conocí en la cooperativa de artistas en el año 1989, uno de sus búhos formaba parte de una exposición y a partir de allí entablamos conversación sobre el arte.

Años después, en el Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá, me contó su odisea durante el viaje a México, cómo llegó a Panamá por avión y de allí por carretera recorrió miles de kilómetros llenos de aventuras en Costa Rica, Nicaragua, Honduras y Guatemala con su maleta repleta de discos de Los Beatles, Pink Floyd y estrellas del Rock, que era su más preciado tesoro; tuvo finalmente que abandonarla para subirse en un camión de ganado que  lo llevaría por los estados de Chiapas, Oaxaca, Guerrero y Michoacán hasta  Guadalajara, Jalisco.

Con pocos pesos en su bolsillo, no le quedó más opción que lavar por completo el camión para pagar su viaje, pero la recompensa vino de forma inmediata, los tapatíos lo recibieron como parte de su familia, le brindaron apoyo, oportunidades para exponer su obra y profundizar en su aprendizaje del arte. Esta experiencia mexicana marcó su vida.

Precisamente en la pasada feria del arte ArtBO, me presentó a su maestro Jalisciense que estaba de visita en Bogotá, con quien estableció una relación de profunda amistad y agradecimiento.

Como parte del programa Arte en Casa, que realiza el Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá, visitamos la casa de sus padres en el Barrio Minuto de Dios, fue una velada llena de anécdotas sobre la llegada de la familia a la comunidad, la asignación de la casa, la relación con el colegio, con el P. Rafael García- Herreros, con Germán Ferrer, con el museo, con los vecinos de la cuadra, las pilatunas de niños, las rebeldías de jóvenes, los sueños y las aspiraciones.

Una de las curiosidades de la casa era un pequeño busto en bronce de Jorge Eliécer Gaitán, lleno de abolladuras y ya un poco deforme; al preguntar por su estado nos confesó que siempre lo habían usado como martillo ya fuera para partir la panela, para clavar una puntilla o para ablandar la carne.

Rosso se caracterizó por ver en cada persona sus cualidades y las exaltaba de forma directa, sin ningún tipo de vergüenza a tal punto que lo hacía sentir a uno un poco incómodo; no discernía la maldad, daba su amistad y su abrazo a quienes se le acercaban.

Su generosidad era sin límites, compartía lo que tenía con sus amigos y colegas, intercambiaba obras, pensamientos, sentimientos, alimentos y alegrías.

“En las manchas encuentro más que mil universos” decía; esperamos ahora querido Fabio, que encuentres en el infinito un universo sin mancha.

 

Gustavo A. Ortiz Serrano

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La pasión por el arte y la educación vincula a UNIMINUTO con la Universidad de Puerto Rico

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Heriberto Nieves Avilés,  artista Puertorriqueño, plástico, escultor y catedrático, con una importante producción artística tanto en Puerto Rico como internacionalmente, empresario con un doctorado de la Universidad de UNAM en México y desde más de una década, destacado académico y profesor de la Universidad de Puerto Rico en recinto de Carolina, gestor y coordinador de un proyecto en la Galería de Arte de la mencionada Universidad y candidato oficial al prestigioso Premio Kyoto Japón en Artes 2018. Colombia.

“Mi obra es una alegoría a la vida misma, a la materia como sustento de la existencia. Trato de observar constantemente al ser humano, y descifrar el universo, y encontrar su lugar en el mismo. Cómo éste ha dejado su huella en todo el planeta a través de su cultura y su evolución…” (Heriberto Nieves, 2017).

Como lo afirma el Dr. Eduardo Planchart Licea, curador del Museo de Arte Contemporáneo Sofía lmber de Caracas “Heriberto logra, gracias a la sensibilidad y su arte, remover la conciencia del otro, para provocar reflexiones que evitan dejarnos atrapados en la inmediatez de lo cotidiano y de la retórica”.

Asimismo, el Dr. Nieves en su paso por el país, deja un testimonio de su proceso artístico bajo la edición de un catálogo, donde autores con miradas diferentes describen lo que para ellos es la interpretación de su trabajo, en éste también, se manifiesta gráficamente todas y cada una de las piezas elaboradas y presentadas en la actual exposición, donde algunas de ellas extraen a los metales y a las gamas cromáticas sustancias primigenias. Un artista convertido en agente facilitador para dejar que las miradas hacia el mundo de los sueños transiten hacia las emociones.

Nieves convertido en un artista Cosmopolita, ciudadano del mundo, boricua con una visión amplia del arte y la academia, deseando acercar al otro ante una representación de lo que sería una civilización ecológica. Así, Heriberto ha recorrido norte, centro y Sur América, además Europa, investigando y vivenciando el arte desde su propia perspectiva.

De allí, nace la propuesta artística “Mirando hacia el sur… es natural”, una muestra que ha traído este reconocido profesor boricua a Colombia, acompañado de algunos de sus estudiantes, donde presenta una variedad  de técnicas, que van desde pintura, escultura, ensamble, collage y video.  Una exposición que estará abierta hasta el 25 de agosto en las salas 1 y 2 del Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá – MAC, ubicado en la Carrera 74 No. 82 A – 81, de lunes a viernes de 9:00 a.m. a 6 p.m. y sábados de 10:00 a.m. a 4:00 p.m.

El paso del Dr. Heriberto Nieves por nuestro país y la presencia de destacados académicos quienes visitaron por estos días la exposición, nos abren puertas para un fluido intercambio académico y cultural logrando un puente entre UNIMINUTO y la Universidad de Puerto Rico.

 

Por: Xiomara Castillo – Profesional de Comunicaciones

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