Proyecto Tesis 2016 – Ganadores de estímulos de creación y menciones de honor

El Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá  e IDARTES dan a conocer los trabajos reconocidos con estímulos de creación y menciones de honor del Salón Proyecto Tesis 2016.

Agradecemos a los artistas que participan en la muestra y los invitamos a la ceremonia de premiación que se realizará el 20 de octubre a las 3:00 pm en las instalaciones del MAC.

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El MAC llega a Bello, Buga y Soacha con el Proyecto Un Museo Para Todos.

En el marco de sus 50 años el Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá (MAC), entidad cultural de UNIMINUTO, llega a Bello, Buga y Soacha.

El MAC, gracias al apoyo de la Rectoría General y de los Centros regionales de UNIMINUTO; y a la gestión cultural realizada con artistas, comunidades, circuito artístico e instituciones académicas y culturales, hará presencia en las sedes de Bello, Buga y Soacha de UNIMINUTO con el proyecto Un museo para todos. El cual por medio de exposiciones itinerantes con obras de su colección, conversatorios y talleres, se encargará de resaltar diferentes conceptos, técnicas y puntos de vista del arte contemporáneo, con el objetivo de crear diálogos que permitan mostrar y resaltar la importancia del patrimonio artístico que salvaguarda, así mismo de sus procesos artísticos, educativos y comunicacionales a lo largo de medio siglo de actividad cultural.

Las exposiciones, que abordan un periodo de 50 años, presentan obras en diversas técnicas con múltiples temáticas que invitan a la apreciación, reflexión, crítica y debate. Las muestras estarán abiertas al público así:

UNIMINUTO Bello – Bloque 5 – Auditorio 2tabloide-dialogos-transversales-impresion

(Carrera 45 No. 22D-25 – cerca de la estación Madera del Metro).

Exposición: Diálogos Transversales, muestra que incluye obras en fotografía, foto serigrafía, serigrafías, pintura y grafiti de 15 artistas que abordan temas de nuestro contexto cotidiano como: la violencia, la explotación ambiental, el concepto de propiedad urbana, el cuerpo y la sexualidad.

La muestra es un abrebocas del potencial que el arte tiene y hasta dónde puede llegar en busca de abrir nuevos caminos y diálogos que permitan reflexionar y preguntarse acerca de un modelo de vida que se ha implementado por un sistema que debemos aceptar y no podemos cuestionar, bajo parámetros conductistas, políticos, religiosos y económicos.

Inauguración: 26 de septiembre 7:00 pm, abierta al público hasta el 1 de noviembre.

Horarios: lunes a viernes 10 am a 12 m y 5pm – 7pm, sábados 12 m a 2 p.m. Entrada libre.

UNIMINUTO Buga – Auditoriotabliode-el_poder_de_la_imagen

Calle 21 sur, carrera 12 costado sur-occidental.

Exposición: El poder de la imagen, muestra que se nutre de la interacción entre técnica, concepto, realización y contexto, lo que permite a los públicos abordarla desde diferentes niveles. La exposición incluye obras en xilografía, litografía, aguafuerte, serigrafía y linograbado, de la década de los 70´s al año 2010.

Esta exhibición es un estímulo para que nuestros estudiantes, docentes y visitantes se aventuren en la generación de sus propios lenguajes visuales y utilicen el poder de la imagen para generar cambios en su entorno social, político y cultural.

Inauguración: 1 de octubre 11:00 am, abierta al público hasta el 1 de noviembre.

Horarios: lunes a viernes 8am a 12m y de 2pm a 6pm, sábados de 8am a 4pm. Entrada libre.

tabloide_museo-nomada UNIMINUTO Centro Regional Soacha

Transversal 5 No. 5G-95

Exposición: Museo Nómada, una muestra compuesta por reproducciones gráficas de obras de la colección, que cuentan con líneas biográficas de sus artistas. Las obras destacan los procesos de transición entre el arte moderno y el contemporáneo, a la vez que se evidencia la relación intrínseca entre el arte y los diferentes hechos históricos, sociales, políticos, artísticos de la últimas cinco décadas, a través de diferentes tendencias del arte abstracto, figurativo, escultura,  fotografía y  cerámica.

Inauguración: 5 de octubre, abierta al público hasta el 7 de noviembre.

Horarios: lunes a viernes de 8am a 7pm y sábados de 8am a 1pm. Entrada libre.

 

Alejandro Triana L.

Coordinador de Comunicaciones

Cel. 319 7476249 – 310 8842379

prensamacbogota@gmail.com

http://www.mac.org.co/

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Convocatoria – Salón de Arte Soacha 2016.

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Presentación

El Centro Colombo Americano en alianza con el Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá, comprometidos con la difusión y promoción de la cultura en Soacha, lanzan la Convocatoria Salón de Arte Soacha 2016, con el objetivo de generar espacios de participación, reconocimiento y divulgación, que contribuyan al fortalecimiento de la escena del arte en el municipio, mediante exhibiciones en la Sala de Exposiciones del Colombo Americano en Soacha (Ciudad Verde, Centro Comercial Prado Verde, piso 2). Por ello, invitan a personas mayores de 18 años, residentes en Soacha, a postular sus propuestas artísticas.

El jurado estará conformado por Maricela Vélez; Coordinadora Cultural del Centro Colombo Americano; Gustavo Ortiz, Director del Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá, y Ruth Katiaa Castro, docente de la Licenciatura en Educación Básica con Énfasis en Educación Artística de UNIMINUTO, Sede Principal.

Las propuestas artísticas seleccionadas harán parte de la exposición colectiva Salón de Arte Soacha 2016, la cual tendrá lugar en la Sala de Exposiciones del Colombo en Soacha entre el 12 de noviembre y el 7 de diciembre de 2016.

Bases de la Convocatoria

Objetivo:

Generar espacios de participación, reconocimiento y divulgación, que contribuyan al fortalecimiento de la escena del arte en el municipio de Soacha, por medio de la selección de las obras que harán parte de la exposición colectiva Salón de Arte Soacha 2016, la cual tendrá lugar en la Sala de Exposiciones del Centro Colombo Americano en Soacha.

¿Quiénes pueden participar?

  • Todas las personas con propuestas artísticas plásticas, sin importar la técnica que empleen. Residentes en Soacha y mayores de 18 años.
  • Colectivos o grupos asociados, siempre y cuando designen a una persona como representante.

Beneficio de los participantes 

  • Los artistas seleccionados participarán en la exposición colectiva Salón de Arte Soacha 2016.
  • Divulgación y visibilización de la exposición en medios de comunicación.
  • Divulgación de la exposición en las redes sociales del Colombo Americano y el Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá.
  • Realización de un catálogo digital de la exposición, el cual saldrá en línea posterior a la muestra.

¿Cómo participar en la Convocatoria?

  • Imprima el formulario de inscripción disponible AQUÍ, también puede reclamarlo en el Centro Colombo Americano sede Soacha (Ciudad Verde, Centro Comercial Prado Verde, piso 2) o en la Dirección de Cultura de Soacha (Cra7 No.14-62). Diligéncielo completamente.
  • Elija la obra con la que desea participar y seleccione de 1 a 5 fotografías de esta. Especifique el nombre de la obra, técnica, medidas y año de creación.
  • Envíe el formulario completo y el archivo en PDF al correo salondeartesoacha2016@gmail.com  también puede imprimirlo y entregarlo en la sede del Centro Colombo Americano en Soacha (Ciudad Verde, Centro Comercial Prado Verde, piso 2) o en la Dirección de Cultura de Soacha (Cra7 No.14-62).

Fechas para tener cuenta

  • Miércoles 31 de agosto de 2016: lanzamiento de la Convocatoria.
  • Jueves 29 de septiembre de 2016 hasta las 3:00 pm: fecha máxima de recepción de propuestas.
  • Miércoles 12 de octubre de 2016: publicación del listado de propuestas seleccionadas en la cartelera del Colombo Americano Sede Soacha y en la página web  www.mac.org.co
  • Lunes 24 de octubre de 9:00 am a 3:00 pm: recepción de las obras seleccionadas en el Colombo Soacha.
  • Miércoles 9, jueves 10 y viernes 11 de noviembre de 8:00 am a 4:00 pm: Instalación de obras en el Colombo Soacha.
  • Sábado 12 de noviembre de 2:00 a 4:00 pm: coctel de inauguración de la exposición Salón de Arte Soacha 2016.
  • Miércoles 7 de diciembre: cierre de la exposición.
  • Sábado 10 de diciembre de 9:00 am a 3:00 pm : entrega de obras en el Colombo Soacha.

Compromisos del Centro Colombo Americano y el Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá

  • Recepción e instalación de las obras en la Sala de Exposiciones Colombo Soacha.
  • Cuidado y conservación adecuado de las obras.
  • Vigilancia de las obras durante el tiempo que dure la exposición.
  • Certificado de recepción y estado de las obras.
  • Plan de medios de comunicación de la exposición.
  • Embalaje y entrega de las obras una vez desmontada la muestra.
  • Catálogo digital de la exposición, el cual saldrá en línea posterior a esta.
  • Certificación de particapción. 

Compromisos de los participantes

  • Las obras con las que se presente a la convocatoria deben estar en perfecto estado de conservación.
  • Entregar y recibir las obras en la fecha y horario acordado, según cronograma anterior.
  • Las obras deben permanecer expuestas por el tiempo que dure la exposición.
  • La comercialización de las obras no tiene nada que ver con el Centro Colombo Americano ni con el Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá.
  • La omisión de cualquiera de los requisitos mencionados anteriormente podrá dar lugar al rechazo de las propuestas.
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Un museo de experiencias

 

-¡Juan, llegaron de España!- Estas eran las palabras que me daban la bienvenida al Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá (MAC). Fue entonces cuando Juan David Quintero, curador del museo, bajó de la oficina haciendo de mi llegada un mar de abrazos y exclamaciones. Tras un momento de emoción, llegaron las presentaciones; no podía creer que tras meses intercambiando correos electrónicos y la odisea de conseguir los documentos que necesitaba ya estuviera aquí, en este peculiar edificio de forma circular que guardaba numerosos secretos desconocidos para mí.

Comenzó entonces mi aventura apoyando el área de educación del museo, coordinada por Tatiana Quevedo y que cuenta con un equipo de voluntarios y colaboradores realmente especial. Con ellos aprendí a organizar y diseñar acciones educativas adecuadas al contexto, a interactuar con los visitantes del museo, a saber cómo causar cierto impacto en ellos, a dar significado a las experiencias de aprendizaje, aprendí a poner en valor los procesos educativos del museo y a ver el lado más humano y social de la cultura.

Durante los cuatro meses que han durado mis prácticas en este espacio, he tenido la oportunidad de relacionarme no sólo con el equipo de trabajadores, voluntarios y practicantes que aquí se encuentran. Por la localización del museo, en el barrio Minuto de Dios, y por su carácter de ser un museo para la comunidad, he contado con la oportunidad de interactuar con las personas que forman parte de ella como son sus vecinos, tanto niños como de edad más avanzada, los alumnos del colegio, estudiantes y profesores de la universidad UNIMINUTO, etc.

Como extranjera esto ha supuesto que mi experiencia de prácticas aquí haya sido sumamente enriquecedora, aprendiendo de las personas que conforman esta comunidad, de sus costumbres y valores, sumergiéndome en la cultura bogotana y en el patrimonio artístico colombiano. Las experiencias que he vivido en esta ciudad y concretamente en este museo han detonado un cambio en mí. Ahora me dispongo a cruzar de nuevo el charco y volver a casa, con un millón de recuerdos que, me atrevo a decir, han hecho que comprenda mejor el mundo y me han transformado como persona y pedagoga. Solo me queda dar mi agradecimiento al maravilloso equipo del MAC por haber hecho de mi estancia una experiencia realmente significativa.

 

Catalina Álvarez

Pasante de Educación

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El MAC, medio siglo de historias, cultura y significado social

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Foto: Raúl Devia

Esta fecha tiene un significado especial para toda la comunidad y por supuesto para todos los que trabajamos en el Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá.

En 50 años son innumerables los recuerdos, las personas, las exposiciones y las actividades que han pasado por el MAC, cada momento de estas cinco décadas ha estado marcado por significados especiales. Medio siglo es un periodo corto para hacer un balance de una institución cultural, sin embargo podemos decir que su mayor virtud es permanecer activa en constante relación con sus vecinos, públicos, artistas e instituciones del orden local, nacional e internacional.

Nos sentimos muy felices de poder compartir con ustedes esta historia, este fragmento de un gran campo cultural que se nos abre promisorio y fértil. Un colombiano visionario, soñador y emprendedor propuso esta idea a su audiencia, el Padre Rafael García-Herreros lanzó como una red, como una flecha que surca un horizonte incierto, pero tuvo entereza y convicción para que este sueño se volviera realidad.

En solo tres años se fundó el museo, cuatro años más tarde ya tenía su sede propia, un edificio que se ha convertido en el referente cultural del noroccidente de Bogotá y además en el hogar donde jóvenes artistas de cada generación han encontrado un espacio que acoge sus obras para que tengan un significado social.

Durante todo este tiempo hemos demostrado que si es viable un museo de nuestras características, que se pueden generar acciones conjuntas entre universidad y museo, que el MAC puede ser uno de los laboratorios sociales más significativo dentro de una ciudad, que más allá del tamaño está el impacto profundo que causa la cultura en sus habitantes, que la calidad y la excelencia deben ser constantes de un institución abierta al público, que el significado se construye colectivamente en un ambiente plural y tolerante. No se trata de abarcar más sino de ser más, no se trata de tener más sino de dar más, no se trata de crecer sino de afianzar, no se trata de acumular sino de compartir, no se trata de figurar sino de servir.

Tenemos muchos retos, pero estamos seguros que sólo los superaremos con el acompañamiento de la comunidad, de nuestros públicos, aliados, donantes y benefactores.

Adelantémonos a la curva inexorable de la historia lanzando una nueva flecha que surque el horizonte y abra nuevas puertas a la cultura con significado social.

 

Gustavo A. Ortiz S.

Director MAC

 

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50 años del Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá, una fiesta cultural.

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Pixeles, fotografía 2.0 y nuevas tecnologías, un diálogo con Klaus Fruchtnis

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Foto: Raúl Devia

Klaus Fruchtnis es un artista colombo-francés egresado de Bellas Artes de la Universidad de Los Andes y la Escuela Nacional Superior de Bellas Artes de París. Su trabajo se ha caracterizado por el uso de nuevas tecnologías, de la interacción con los públicos y el diálogo con otros artistas en el momento de creación. En el marco de la exposición Playground hablamos con Klaus de su trabajo, sus procesos creativos y de la exposición presentada en el Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá.

Raúl Devia: ¿Por qué te interesaste en el Art Media y el uso de la tecnología en tu obra?

Klaus Fructnis: En arte uno siempre estudia dibujito, pintura, escultura, pero yo hago parte de la generación donde los nuevos medios llegaron y se empezaron a desarrollar, es por esto que yo estaba más interesado en ver cómo estas nuevas herramientas de trabajo podían brindar a los artistas nuevos elementos creativos. Por ejemplo en la fotografía lo que me interesa es trabajarla con dibujo, pero no dibujo con lápiz y papel, sino con Photoshop, dibujo digital, me atrae la idea del cómo incorporar las herramientas digitales en mi trabajo.

R.D: En algunas de tus obras se pueden ver imágenes icónicas o culturalmente significativas en el ámbito mundial, ¿cuál es el objeto de tomar estos elementos y generar una nueva significación desde tu obra?

KF: Primero debo poner en contexto la fotografía de hoy en día, estamos hablando de la fotografía 2.0, que es la fotografía de internet, donde la gente, el público normal se convirtió no solo en consumidor sino en productor de obra.

Las personas producen obra a ciertos niveles, profesional o no profesional, pero hoy en día la fotografía se lee de una manera muy diferente, en internet esta Instagram, Flickr y Facebook, todas esas plataformas han hecho que la fotografía y el concepto de ella se haya democratizado, es más accesible.

Como fotógrafo creo que no solo se deben producir imágenes, sino también cuestionar las  existentes, así que decidí usar algunas fotos icónicas en el mundo, por ejemplo la muerte de Kennedy, el 11 de septiembre, la de los tanques en Tiananmen en China, están toda esta clase de iconos que han marcado la historia cultural, y que la mayoría de personas, dependiendo de qué generación son, pueden identificarse con ellos.

Entonces lo que hice con esta obra de los iconos virales (Viral Icons) fue recuperar dichas imágenes, que son obras de fotógrafos reconocidos, obviamente el Copy Right de los autores esta allí, alterarlas y reducirlas a las más mínimas informaciones, los pixeles.

Por otro lado decidí trabajar con una impresora láser, me interesaba experimentar con esa fotografía sobre madera, que la gente pudiera ver el material usado y adicional a esto que vieran que estas fotos te permiten tener diferentes tipos de lectura, la puedes ver desde lejos, desde cerca y a través de la cámara de un Smathphone o una cámara digital.

R.D: ¿Qué papel juega que los públicos interactúen con tu obra y cómo podrán interactuar ellos con lo presentado en Playground?

KF: La interacción se da cuando hago instalaciones participativas, evolutivas, porque ellas cambian en el tiempo, las que presento aquí en Playground no son tan evolutivas como las que he hecho en el pasado, en donde la gente participa, deja cosas e información, hay datos, cosas que se quedan y que hacen que la obra evolucione.

Las presentadas en la exposición son más inmersivas y participativas, porque las personas tienen que interactuar para poder leer los mensajes que están escondidos, por ejemplo en la obra de los iconos virales (Viral Icons), puede que no se vea lo que hay detrás, pero son imágenes que tienen un contenido icónico y cultural muy conocido.

Es por esto que me interesa que cuando el público participe se genere una diferenciación con una exposición convencional donde las personas ven simplemente una obra y se van, me importa es crear una experiencia participativa en las personas, que se genere recordación, también ellas van a tener una lectura diferente y casi única de la obra, porque la mayoría de las obras no están quietas sino que tienes que interactuar para sacar algo, las interpretaciones obviamente se dan por el bagaje cultural de cada visitante.

Por otro lado está la parte tecnológica, ya que me gusta cuestionar no solo la parte estética de mis obras sino la parte tecnológica, me interesa que la gente entienda cómo funcionan, por qué funcionan y la única forma de entenderlo es participando, dándose cuenta que usando un Smarthphone son capaces de encontrar detalles dentro de las obras, que el ojo humano a simple vista no puede percibir.

El tema de los pixeles lo llevo trabajando hace ya varios años, los he pintado en paredes, he hecho stickers, los he impreso en plexiglás, he jugado mucho con la percepción del público, experimentado junto a ellos y observando las reacciones que tienen, por eso la interacción es muy importante en mi obra.

R.D: La experimentación con las nuevas tecnologías son un eje principal en tu obra, ¿cómo ves el futuro del la fusión entre arte, tecnología y social media?

KF: Creo que las nuevas tecnologías han cambiado y seguirán cambiando, en los últimos 10 años hemos visto como han evolucionado y hoy en día estamos hablando de objetos conectados, telas inteligentes, muchas cosas que han hecho que la tecnología en si haya cambiado. Pero lo más importante es evitar que las nuevas tecnologías se vuelvan una vitrina para los artistas y se generen obras espectaculares, pero sin ningún contenido, se debe cuestionar su uso, el por qué las estamos usado, cómo la estamos usando y cuál es el mensaje, porque obviamente creo no todas las tecnologías se adaptan a cualquier tipo de obra.

R.D: ¿Que problemas has tenido cuando has tratado de utilizar algún elemento tecnológico dentro de tu obra?

KF: Los nuevos medios tiene algo muy importante y es que tienen un aspecto educativo, también han modificado completamente la forma como trabajan los artistas, ellos estaban antes, solos trabajando en su taller, hoy en día la tecnología ha cambiado los procesos creativos, ya no trabajamos solos, sino en grupo, realizando obras colaborativas, participativas y co-creaciones. Entonces digamos que cuando me intereso por algo y no sé cómo hacerlo, estoy abierto a trabajar con otros artistas, he trabajado con ingenieros, programadores y músicos. Yo no lo sé todo, no me interesa tampoco, he hecho programación y en algunas de mis obras me he interesado por entender su funcionamiento, pero me toma mucho más tiempo, es por esto que llamo a personas que sepan del tema y yo me ocupo de la creación, del concepto y de la parte artística.

Por ejemplo en Playground con Sofía Uquillas, quien trabaja mucho con los neones, decidimos realizar una obra en colaboración (Geo-Cut-Ups). Lo que vale la pena resaltar es que los nuevos medios han transformado la forma de trabajo de los artistas, haciendo que estemos más abiertos a las colaboraciones, al trabajo en grupo y a buscar lo que uno no sabe hacer en los demás. El final entre más uno esté abierto a esas colaboraciones, las obras van a generar un impacto más grande en el público.

R.D: ¿Por qué es importante que artistas de dos generaciones, como Raúl Marroquín y tú, aborden en paralelo el tema del Art Media?

KF: Es importante porque estamos trabajando con la misma tecnología de manera diferente, es como un abanico de posibilidades el que los artistas estén usando la nueva tecnología de manera diferente, aunque Raúl es uno de los pioneros en el videoarte y en el Netart, él ha ido evolucionando y cambiando con la tecnología, se ha ido adaptando.

Yo llegué más tarde y lo que me interesa, es que para entender la tecnología de hoy, debemos entender la de hace 50 o 40 años atrás, es así que digo siempre “es muy fácil hacer tecnología con un lápiz y un papel”, y la gente dice: “pero ¿por qué?”, pues es muy sencillo, porque son los pixeles, son el código binario y son números, si tu entiendes el lenguaje de un computador puedes entender como programar cosas.

Me parece importante que los dos estemos a la par en esta exposición y tratemos de crear un diálogo,  aunque son obras diferentes tenemos la misma base, pero el resultado es diferente.

Con Raúl hicimos un proyecto en la galería Saatchi, en Londres, en enero de este año (2016), era un trabajo sobre las bajas tecnologías, acerca de como las tecnologías obsoletas, los proyectos colaborativos, hoy en día han hecho que la gente se prepare más para el uso de las nuevas tecnologías. Aplicativos como Skype o WhatsApp, entre otros, han modificado la forma de comunicar, la forma de ver y producir arte, no necesariamente debemos estar en un mismo sitio, en un mismo país, sino que podemos crear cosas desde sitios diferentes, de manera colaborativa y evolutiva. El arte hoy en día no se trata de una obra en un pedestal o en una pared, puede ser también un

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